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Escultor AK-103 - Historia

Escultor AK-103 - Historia

Escultor

(AK-103: dp. 14,550, 1. 441'6 "; b. 56'11", dr. 28'4 "s. 12.5 k., Cpl. 206, a. 1 5", 1 3 ", 2 40 mm., 6 20 mm., Cráter de altura; T. EC2-S-C1)

El escultor se estableció como D. W. Harrtrington bajo contrato de la Comisión Marítima (MCE Hull 1671) el 18 de mayo de 1943 por California Shipbuilding Co., Wilmington, Calif .; lanzado el 10 de junio de 1943, patrocinado por la Sra. S. E. Joseph, adquirido por la Marina el 22 de junio de 1943; y comisionado el 10 de agosto de 1943, el teniente comandante. George C. Bosson al mando.

Escultor sirvió en el Servicio de Transporte Naval, haciendo seis viajes desde San Francisco abasteciendo bases avanzadas en el Pacífico occidental. Zarpó en su primer viaje el 28 de agosto de 1943 remolcando una sección del muelle flotante, ABSD-1, y lo entregó junto con otros cargamentos en Espíritu Santo el 2 de octubre. Después de llevar material de Lend Lease a Nueva Zelanda, regresó a San Francisco el 23 de noviembre. En su segundo viaje que comenzó el 27 de diciembre, remolcó una barcaza de reparación YRDH-1 y llevó un cargamento de cubierta de un LCT en secciones a Espíritu Santo. Después de llegar allí el 1 de febrero de 1944, realizó viajes entre bases avanzadas hasta partir de Espíritu Santo el 20 de abril hacia San Francisco, a donde llegó el 12 de mayo.

Los viajes restantes del escultor siguieron el patrón de los dos primeros. Zarpó de San Francisco el 3 de junio con una sección del ABSD-2 a remolque y realizó viajes de carga local en el Pacífico suroeste entre el 15 de julio y el 29 de septiembre antes de regresar a San Francisco el 24 de octubre. Después de la revisión, zarpó de nuevo el 16 de diciembre con dos barcazas YF a remolque que cambió en Pearl Harbor por YFD-64. Este gran dique seco fue entregado gracias a los esfuerzos combinados de Sculptor y un barco hermano en San Pedro Bay, Leyte, P.I., el 13 de febrero de 1945. Sculptor luego llevó carga entre bases avanzadas hasta el 28 de abril y regresó a San Francisco el 21 de mayo.

El 15 de junio de 1945, el carguero salió de San Diego con dos guardacostas de 83 'en cubierta y una barcaza a remolque. El remolque se dejó caer en Pearl Harbor y el resto del cargamento se descargó en Saipan después de su llegada el 13 de julio. El barco regresó a San Francisco el 1 de septiembre y comenzó su sexto y último viaje de la Marina el 29. Entregó cargamento a Saipán y Guam, y zarpó de Guam el 23 de diciembre hacia la costa este de los Estados Unidos. El escultor llegó a Baltimore el 21 de febrero de 1946 y fue dado de baja allí el 26 de febrero. El barco fue devuelto a la Comisión Marítima el 8 de marzo y eliminado de la lista de la Armada el 12 de marzo de 1946. En 1947, fue vendido a una empresa naviera griega como Dimosthenis Pantaleon, bajo cuyo nombre permaneció en servicio hasta 1970.


Escultura moderna: una introducción a la historia del arte

Aumente sus habilidades de análisis visual a medida que aprende a describir y aprender de las obras de arte de la escultura pública en la Universidad de York.

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Esculpido en metal, las historias de la historia y la identidad toman forma

Las obras de Melvin Edwards se celebran en una encuesta en City Hall Park en Manhattan.

La escultura, realizada en acero inoxidable rojo y cadenas, mece y se balancea. Las longitudes de los eslabones, algunos oxidados, otros la plata brillante del acero galvanizado, ondean con el viento. Cerca, una escultura muy diferente también toma la forma de una cadena, esta vez representada a gran escala, sus eslabones cortados y dispersos.

Estas esculturas, "Homage to Coco" (1970) y "Song of the Broken Chains" (2020), son obra del artista Melvin Edwards, de 84 años. Realizadas con cinco décadas de diferencia, se unen en el City Hall Park de Manhattan. en una exposición de la escultura pública del Sr. Edwards. Llamado "Días más brillantes", se extenderá hasta el 28 de noviembre.

La exposición, cuya inauguración coincide con la feria de arte Frieze New York que comienza el jueves en Hudson Yards, se destaca como parte del homenaje de la feria al Vision & amp Justice Project y su fundadora, Sarah Elizabeth Lewis. El trabajo del Sr. Edwards toca la misión del proyecto de "examinar el papel central del arte en la comprensión de la relación entre raza y ciudadanía en los Estados Unidos".

Se planeó un recorrido por la muestra de esculturas, y la Galería Alexander Gray muestra un modelo para "Song of the Broken Chains" y una selección de la serie Lynch Fragments del Sr. Edwards, así como varias otras obras, en su Frieze Stand de Nueva York.

Esta muestra de seis esculturas es la primera exposición de estudio temático del trabajo del Sr. Edwards, que a menudo aborda cuestiones de la historia y la identidad negras, en el espacio público de la ciudad. Varias de sus obras se encuentran en exhibición permanente en Nueva York, así como en los Estados Unidos, y en Cuba, Senegal y Japón.

“Su trabajo se trata en parte de esta unión de lo abstracto con íconos representativos como cadenas, de modo que muchas de las obras son simultáneamente abstractas y no abstractas”, dijo el curador Daniel S. Palmer del Public Art Fund, que organizó la exposición.

“Se acercaba en los años 60, cuando surgían dudas sobre el papel de la abstracción. ¿Cómo se tienen simultáneamente formas abstractas pero también símbolos que abordan cuestiones como la raza, el trabajo y la diáspora africana? Mel hace un trabajo increíble al unirlos y unirlos ".

A lo largo de los años, el Sr. Edwards ha trabajado con una variedad de materiales, incluidos alambre de púas, púas y cadenas, a los que ha regresado repetidamente con diferentes lentes. A veces, como en “Homenaje a Coco”, se trata de cadenas literales, utilizadas como parte de la obra misma en otros casos, como en “Canción de las cadenas rotas”, las cadenas se exploran metafóricamente.

"Como escultor que trabaja en acero, trabajo en la tradición de los herreros y metalúrgicos", dijo Edwards en una entrevista telefónica a fines de abril. “La idea de hacer cadenas, originalmente, era hacer una cuerda más fuerte y flexible para conectar las cosas. A menudo, cuando la gente habla con un artista de ascendencia afroamericana, presume que las cadenas tienen que ver con la esclavitud. Esa es una idea limitada de las cadenas. No digo que no esté ahí, porque lo está, pero no empieza ahí ".

“Homage to Coco”, por ejemplo, comenzó con el recuerdo de una mecedora que perteneció a su abuela, Cora Anne Nickerson, a quien llamó Coco. Edwards, que nació en Houston en 1937, dijo que cuando era joven, su abuela tenía un par de sillas, una mecedora y la otra no. Mientras pensaba en las ideas de movimiento en la escultura más adelante en su vida, el recuerdo de jugar con la mecedora volvió a él.

"Es realmente la dinámica, la dinámica física, lo que recordé", dijo. “Al investigar las posibilidades de la escultura cinética, no quería hacer nada como un Calder. Es simétrico cuando la pieza está en reposo y, al moverla, se desequilibra. Las cadenas son flexibles, cambian la dinámica del balanceo ”. (En esta instalación, la escultura está asegurada y no puede balancearse, pero los eslabones de la cadena están flojos y pueden balancearse).

La exposición en City Hall Park, que se retrasó casi un año, brinda una oportunidad única de ver una exposición de seis esculturas públicas de un solo artista, todas menos una producidas entre 1970 y 1996. "Song of the Broken Chains" se encargó en 2020 por el Fondo de Arte Público.

"'Song of the Broken Chains' es una cadena, como hemos visto en otras obras, pero ha crecido a esta escala monumental", dijo Palmer. “Realmente es una pieza poderosa, con temas de liberación y ruptura. Tiene la perspectiva de un artista que ha estado trabajando con este motivo durante años, que ha pensado en el potencial de la escultura pública monumental a gran escala para abordar importantes problemas culturales y sociales ".

Como parte de Frieze, más de 50 galerías y salas de visualización en línea están ayudando a honrar el Proyecto Vision & amp Justice. Se han encargado trabajos de Carrie Mae Weems y Hank Willis Thomas, y se ha programado una serie de proyecciones, charlas y publicaciones.

"City Hall Park tiene una enorme resonancia histórica con estas obras", dijo Palmer. Es a la vez el corazón administrativo de la ciudad y el sitio de las recientes protestas de Occupy City Hall y Black Lives Matter. Fue uno de los primeros lugares donde se leyó públicamente la Declaración de Independencia. También fue, durante el siglo XVIII, parte del sitio del Cementerio Africano, el cementerio más grande de la era colonial para personas de ascendencia africana, algunas libres y otras esclavizadas.

"Creo que este espacio realmente ha sido enormemente importante para nosotros como ciudad, y es significativo para llegar a un acuerdo con la raza en este país y en esta ciudad", dijo Palmer.

El parque también funciona como un tipo particular de espacio de ocio donde uno puede, como dijo el Sr. Edwards, encontrar "un descanso de la estructura de las ciudades" mientras se toma un descanso para almorzar, se reúne con amigos o tal vez se detiene a mirar arte.

“Cuando hago un trabajo en público, no es como un semáforo, donde haces que la gente vaya, pause o se detenga. Está ahí y es visual, y si las circunstancias entre la persona y el trabajo son correctas, tal vez se detengan y presten algo de atención ".


Herramientas y técnicas de tallado

Las herramientas utilizadas para tallar difieren según el material a tallar. La piedra se talla principalmente con herramientas de acero que se asemejan a cinceles fríos. Para derribar las esquinas y ángulos de un bloque, se clava una herramienta llamada jarra en la superficie con un martillo de hierro pesado. La jarra es una herramienta gruesa, similar a un cincel, con un borde biselado ancho que rompe la piedra en lugar de cortarla. Luego, la punta pesada realiza el desbaste principal, seguida por la punta fina, que se puede utilizar a una distancia corta de la superficie final. Estas herramientas puntiagudas se martillan en la superficie en un ángulo que hace que la piedra se rompa en astillas de diferentes tamaños. Los cinceles de garra, que tienen bordes dentados, se pueden trabajar en todas las direcciones sobre la superficie, eliminando la piedra en forma de gránulos y refinando así las formas de la superficie. Los cinceles planos se utilizan para terminar el tallado de la superficie y para cortar detalles nítidos. Hay muchas otras herramientas especiales, que incluyen gubias para piedra, taladros, martillos dentados (conocidos como abujardadoras o bouchardes) y, que se utilizan a menudo en la actualidad, herramientas neumáticas motorizadas para golpear la superficie de la piedra. La superficie se puede pulir con una variedad de procesos y materiales.

Debido a que los talladores medievales trabajaban principalmente en piedras más blandas y hacían un gran uso de cinceles planos, su trabajo tiende a tener una calidad de corte afilado y a ser tallado libre y profundamente. En contraste, está el trabajo realizado en piedras duras por personas que carecían de herramientas de metal lo suficientemente duras como para cortar la piedra. La escultura de granito egipcio, por ejemplo, se produjo principalmente por abrasión, es decir, golpeando la superficie y frotándola con materiales abrasivos. El resultado es una escultura compacta, no profundamente ahuecada, con bordes suavizados y superficies fluidas. Suele tener un alto grado de atractivo táctil.

Aunque el proceso de tallado es fundamentalmente el mismo para la madera o la piedra, la estructura física de la madera exige herramientas de un tipo diferente. Para el primer bloqueo de una talla de madera, un escultor puede usar sierras y hachas, pero sus herramientas principales son una amplia gama de gubias de tallador de madera. El borde afilado y curvado de una gubia corta fácilmente a través de los haces de fibra y, cuando se usa correctamente, no partirá la madera. También se utilizan cinceles planos, especialmente para tallar detalles afilados. Se pueden usar escofinas para madera o limas gruesas y papel de lija para darle a la superficie un acabado liso o, si se prefiere, se puede dejar con una apariencia tallada y cincelada. Las herramientas para tallar madera tienen mangos de madera dura y se golpean con mazos redondos de madera. Los escultores de madera africanos utilizan una variedad de azuelas en lugar de gubias y mazos. El marfil se talla con una variedad de sierras, cuchillos, escofinas, limas, cinceles, taladros y raspadores.


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Escultura explicada y hablada ...

La escultura es una parábola en tres dimensiones, un símbolo de una experiencia espiritual y un medio de transmitir la verdad al concentrar su esencia en una forma visible.
& # 8211 Malvina Hoffman

Escultura por dentro y por fuera, de Malvina Hoffman (1885-1966) explora la escultura y su poder para comunicarse como lenguaje universal. Ya sea mirando el rostro sereno de un antiguo dios ateniense, la elegante abstracción de un pájaro de Constantin Brancusi, los evocadores amantes de Auguste Rodin o el monumental Bronco Buster de Alexander Phimister Proctor ubicado contra el horizonte de Denver, estas esculturas nos “hablan” a lo largo de muchos siglos. tantos continentes y culturas. Debajo de ellos hay expresiones atemporales de emociones universales, el pegamento que nos une como seres humanos en este maravilloso planeta que llamamos Tierra.

La historia de las esculturas, argumentada por muchas personas, es la historia de la humanidad. Ya sea que las formas escultóricas sean realistas o abstractas, no objetivas o expresionistas, la escultura de hoy, como en tiempos y lugares pasados, responde a la vida. No es una imitación de la vida, sino una interpretación. Y dondequiera que se coloque o coloque la escultura, en un jardín al aire libre, en un vestíbulo o nicho, o en un manto o pedestal, articula el espacio a su alrededor, animando la vista. Una gran escultura es un objeto para vivir, iluminando cada día con una renovada sensación de emoción. En pocas palabras, cambia el entorno en el que reside & # 8230

*Por favor, recuerde siempre que si usted es un comprador o vendedor de esculturas & # 8211 La escultura es un regalo para todos los que han disfrutado y todos los que disfrutarán. Después de todo, la escultura resiste la prueba del tiempo & # 8230


Primario

A lo largo de la historia, la piedra ha sido el material principal de la escultura monumental. Hay razones prácticas para esto: muchos tipos de piedra son altamente resistentes a la intemperie y, por lo tanto, aptas para uso externo, la piedra está disponible en todas partes del mundo y se puede obtener en bloques grandes muchas piedras tienen una textura bastante homogénea y una dureza uniforme que los hacen aptos para el tallado en piedra ha sido el principal material utilizado para la arquitectura monumental con la que se ha asociado tanta escultura.

En la escultura se han utilizado piedras pertenecientes a las tres categorías principales de formación rocosa. Las rocas ígneas, que se forman por el enfriamiento de masas de minerales fundidas a medida que se acercan a la superficie de la Tierra, incluyen granito, diorita, basalto y obsidiana. Estas son algunas de las piedras más duras utilizadas para la escultura. Las rocas sedimentarias, que incluyen areniscas y calizas, se forman a partir de depósitos acumulados de sustancias minerales y orgánicas. Las areniscas son aglomeraciones de partículas de piedra erosionada unidas por una sustancia cementante. Las calizas se forman principalmente a partir de restos calcáreos de organismos. El alabastro (yeso), también una roca sedimentaria, es un depósito químico. Para la escultura se utilizan muchas variedades de arenisca y piedra caliza, que varían mucho en calidad e idoneidad para el tallado. Debido a su método de formación, muchas rocas sedimentarias tienen estratos pronunciados y son ricas en fósiles.

Las rocas metamórficas son el resultado de cambios provocados en la estructura de las rocas sedimentarias e ígneas por la presión o el calor extremos. Las rocas metamórficas más conocidas utilizadas en escultura son los mármoles, que son calizas recristalizadas. El mármol italiano de Carrara, el más conocido, fue utilizado por escultores romanos y renacentistas, especialmente Miguel Ángel, y todavía se utiliza mucho. Las variedades más conocidas utilizadas por los escultores griegos, entre los que el mármol era más popular que cualquier otra piedra, son el pentélico, del que están hechos el Partenón y su escultura, y el parián.

Debido a que la piedra es extremadamente pesada y carece de resistencia a la tracción, se fractura fácilmente si se talla demasiado delgada y no se apoya adecuadamente. Por lo tanto, generalmente se prefiere un tratamiento masivo sin proyecciones vulnerables, como en la escultura indígena egipcia y precolombina. Algunas piedras, sin embargo, pueden tratarse con más libertad y abiertamente, el mármol en particular ha sido tratado por algunos escultores europeos con casi la misma libertad que el bronce, pero tales demostraciones de virtuosismo se logran superando en lugar de sometiéndose a las propiedades del propio material.

Los colores y texturas de la piedra se encuentran entre sus propiedades más deliciosas. Algunas piedras son de grano fino y se pueden tallar con delicados detalles y terminar con un alto brillo, otras son de grano grueso y requieren un tratamiento más amplio. El mármol blanco puro de Carrara, que tiene una calidad translúcida, parece brillar y responde a la luz de una manera delicada y sutil. (Estas propiedades del mármol fueron explotadas brillantemente por escultores italianos del siglo XV como Donatello y Desiderio da Settignano). La coloración del granito no es uniforme, pero tiene una calidad de sal y pimienta y puede brillar con mica y cristales de cuarzo. Puede ser predominantemente negro o blanco o una variedad de grises, rosas y rojos. Las areniscas varían en textura y a menudo tienen colores cálidos en una variedad de tonos beige, rosas y rojos. Las calizas varían mucho en color y la presencia de fósiles puede aumentar el interés de sus superficies. Varias piedras presentan una rica variedad de colores debido a las vetas irregulares que las atraviesan.

Las piedras duras, o piedras semipreciosas, constituyen un grupo especial, que incluye algunas de las sustancias más hermosas. El trabajo de estas piedras, junto con el trabajo de piedras preciosas más preciosas, generalmente se considera parte de las artes glípticas (tallado o grabado de gemas) o lapidario, pero muchos artefactos producidos a partir de ellas pueden considerarse esculturas a pequeña escala. A menudo son más difíciles de trabajar que el acero. La primera de las piedras duras utilizadas para la escultura es el jade, que era venerado por los antiguos chinos, quienes lo trabajaban, junto con otras piedras duras, con extrema habilidad. También fue utilizado escultóricamente por artistas mayas y mexicanos. Otras piedras duras importantes son el cristal de roca, el cuarzo rosa, la amatista, el ágata y el jaspe.

La madera, principal material de escultura en África, Oceanía y América del Norte, también ha sido utilizada por todas las grandes civilizaciones; se utilizó ampliamente durante la Edad Media, por ejemplo, especialmente en Alemania y Europa central. Entre los escultores modernos que han utilizado la madera para obras importantes se encuentran Ernst Barlach, Ossip Zadkine y Henry Moore.

Tanto las maderas duras como las blandas se utilizan para la escultura. Algunos son de grano compacto y se cortan como el queso, otros son de grano abierto y fibrosos. La estructura fibrosa de la madera le confiere una considerable resistencia a la tracción, por lo que se puede tallar finamente y con mayor libertad que la piedra. Para composiciones abiertas grandes o complejas, se pueden unir varias piezas de madera. La madera se utiliza principalmente para esculturas de interior, ya que no es tan resistente ni duradera, ya que los cambios de humedad y temperatura de la piedra pueden hacer que se parta y está sujeta al ataque de insectos y hongos. La veta de la madera es una de sus características más atractivas, dando variedad de patrones y texturas a sus superficies. Sus colores también son sutiles y variados. En general, la madera tiene una calidez que la piedra no tiene, pero carece de la enorme dignidad y peso de la piedra.

Las principales maderas para la escultura son el roble, la caoba, el tilo, el nogal, el olmo, el pino, el cedro, el boj, el peral y el ébano, pero también se utilizan muchas otras. Los tamaños de madera disponibles están limitados por los tamaños de los árboles. Los indios norteamericanos, por ejemplo, podrían tallar gigantescos tótems en pino, pero el boj solo está disponible en piezas pequeñas.

En el siglo XX, muchos escultores utilizaron la madera como medio tanto para la construcción como para el tallado. Las maderas laminadas, los tableros aglomerados y la madera en forma de bloque y tabla se pueden pegar, unir, atornillar o atornillar juntos, y se les puede dar una variedad de acabados.

Dondequiera que se hayan desarrollado tecnologías del metal, los metales se han utilizado para la escultura. La cantidad de escultura de metal que ha sobrevivido del mundo antiguo no refleja adecuadamente el grado en que se usó, ya que grandes cantidades han sido saqueadas y derretidas. Innumerables esculturas de metal antiguas se han perdido de esta manera, al igual que casi toda la orfebrería de los indios americanos precolombinos.

El metal más utilizado para la escultura es el bronce, que es básicamente una aleación de cobre y estaño, pero también se han utilizado ampliamente oro, plata, aluminio, cobre, latón, plomo y hierro. La mayoría de los metales son extremadamente fuertes, duros y duraderos, con una resistencia a la tracción que permite una libertad de diseño mucho mayor que la posible en piedra o madera. Una figura de bronce de tamaño natural que está firmemente sujeta a una base no necesita más apoyo que sus propios pies e incluso puede estar en equilibrio sobre un pie. También es posible una atenuación considerable de la forma sin riesgo de fractura.

El color, el brillo brillante y la reflectividad de las superficies metálicas han sido muy valorados y se han aprovechado al máximo en la escultura aunque, desde el Renacimiento, las pátinas artificiales generalmente se prefieren como acabados para el bronce.

Los metales se pueden trabajar de diversas formas para producir esculturas. Se pueden fundir, es decir, fundir y verter en moldes comprimidos bajo presión en troqueles, como en la fabricación de monedas o trabajar directamente, por ejemplo, martillando, doblando, cortando, soldando y repoussé (martillado o prensado en relieve).

Las tradiciones importantes de la escultura de bronce son la griega, la romana, la india (especialmente la chola), la africana (bini y yoruba), la renacentista italiana y la china. El oro se utilizó con gran efecto para obras a pequeña escala en la América precolombina y la Europa medieval. Un descubrimiento bastante reciente, el aluminio ha sido utilizado mucho por los escultores modernos. El hierro no se ha utilizado mucho como material de fundición, pero en los últimos años se ha convertido en un material popular para el trabajo directo mediante técnicas similares a las del herrero. La chapa es uno de los principales materiales utilizados en la actualidad para la escultura constructiva. El escultor estadounidense David Smith ha utilizado con eficacia el acero inoxidable en forma de hoja.

La arcilla es uno de los materiales más comunes y fáciles de obtener. Utilizado para modelar figuras animales y humanas mucho antes de que los hombres descubrieran cómo encender ollas, ha sido uno de los materiales principales del escultor desde entonces.

La arcilla tiene cuatro propiedades que explican su uso generalizado: cuando está húmeda, es una de las sustancias más plásticas, se modela fácilmente y es capaz de registrar las impresiones más detalladas cuando se seca parcialmente a un estado duro como el cuero o se seca completamente. se puede tallar y raspar cuando se mezcla con suficiente agua, se convierte en un líquido cremoso conocido como engobe, que se puede verter en moldes y dejar secar cuando se cuece a temperaturas de entre 700 y 1400 ° C (1300 y 2600 ° F), sufre cambios estructurales irreversibles que lo hacen permanentemente duro y extremadamente duradero.

Los escultores utilizan arcilla como material para elaborar ideas para modelos preliminares que posteriormente se funden en materiales como yeso, metal y hormigón o tallados en piedra y para esculturas de cerámica.

Dependiendo de la naturaleza del cuerpo de arcilla en sí y de la temperatura a la que se cuece, se dice que un producto de cerámica terminado es loza, que es un gres opaco, relativamente blando y poroso, que es duro, no poroso y más o menos vitrificado. o porcelana, de textura fina, vitrificada y translúcida. Los tres tipos de cerámica se utilizan para la escultura. La escultura realizada en arcillas a fuego lento, en particular arcillas rojas y beige, se conoce como terracota (tierra cocida). Sin embargo, este término se usa de manera inconsistente y, a menudo, se extiende para cubrir todas las formas de escultura de cerámica.

Los cuerpos de arcilla sin esmaltar pueden ser de textura suave o gruesa y pueden ser de color blanco, gris, beige, marrón, rosa o rojo. La escultura de cerámica puede decorarse con cualquiera de las técnicas inventadas por los alfareros y recubrirse con una variedad de hermosos esmaltes.

Los escultores del Paleolítico realizaron trabajos en relieve y en redondo en arcilla sin cocer. Los antiguos chinos, en particular durante las dinastías Tang (618–907 d. C.) y Song (960-1279 d. C.), hicieron magníficas esculturas de cerámica, que incluían figuras humanas a gran escala. Las obras griegas más conocidas son las figuras y grupos íntimos de pequeña escala de Tanagra. Los escultores-alfareros mexicanos y mayas produjeron figuras vigorosas modeladas directamente. Durante el Renacimiento, la cerámica se utilizó en Italia para importantes proyectos escultóricos, incluidas las esculturas esmaltadas y coloreadas a gran escala de Luca della Robbia y su familia, que se encuentran entre las mejores obras del medio. Uno de los usos más populares del medio de alfarería ha sido para la fabricación de figurillas, en Staffordshire, Meissen y Sèvres, por ejemplo.

La principal fuente de marfil son los colmillos de elefante, pero la morsa, el hipopótamo, el narval (un animal acuático del Ártico) y, en el Paleolítico, los colmillos de mamut también se utilizaron para la escultura. El marfil es denso, duro y difícil de trabajar. Su color es blanco cremoso, que suele amarillear con la edad y necesita un alto brillo. Se puede aserrar un colmillo en paneles para tallar en relieve o en bloques para tallar en forma redonda o se puede utilizar la forma del propio colmillo. Las propiedades físicas del material invitan a la talla más delicada y detallada, y las demostraciones de virtuosismo son comunes.

El marfil se utilizó ampliamente en la antigüedad en el Medio y Lejano Oriente y el Mediterráneo. Una tradición cristiana casi ininterrumpida de talla de marfil se extiende desde Roma y Bizancio hasta el final de la Edad Media. A lo largo de este tiempo, el marfil se utilizó principalmente en relieve, a menudo junto con metales preciosos, esmaltes y piedras preciosas para producir los efectos más espléndidos. Algunos de sus principales usos escultóricos fueron para dípticos devocionales, altares portátiles, cubiertas de libros, retablos (estantes elevados sobre los altares), ataúdes y crucifijos. El período barroco también es rico en marfiles, especialmente en Alemania. También existía una fina tradición de talla de marfil en Benin, un antiguo reino de África Occidental.

Relacionado con el marfil, el cuerno y el hueso se han utilizado desde el Paleolítico para la escultura a pequeña escala. El cuerno de caribú y los colmillos de morsa eran dos de los materiales más importantes de los talladores inupiaq e inuit. Uno de los mejores "marfiles" medievales es una talla en hueso de ballena, La adoración de los magos.

El yeso de París (sulfato de cal) es especialmente útil para la producción de moldes, moldes y modelos preliminares. Fue utilizado por escultores egipcios y griegos como medio de fundición y hoy en día es el material más versátil en el taller del escultor.

Cuando se mezcla con agua, el yeso se recristalizará o fraguará en poco tiempo, es decir, se volverá duro e inerte, y su volumen aumentará ligeramente. Cuando está fraguado, es relativamente frágil y carece de carácter y, por lo tanto, tiene un uso limitado para el trabajo terminado. El yeso se puede verter en forma líquida, modelar directamente cuando tenga una consistencia adecuada o tallar fácilmente una vez que haya fraguado. Se le pueden añadir otros materiales para aflojar su fraguado, aumentar su dureza o resistencia al calor, cambiar su color o reforzarlo.

El principal uso escultórico del yeso en el pasado fue para moldear y fundir modelos de arcilla como etapa en la producción de esculturas de metal fundido. Hoy en día, muchos escultores omiten la etapa de modelado en arcilla y modelan directamente en yeso. Como material de molde en la fundición de esculturas de hormigón y fibra de vidrio, el yeso se utiliza ampliamente. Tiene un gran valor como material para reproducir la escultura existente, muchos museos, por ejemplo, utilizan tales moldes con fines de estudio.


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Jim Reaves
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Območje južno od Kita en Vodnarja je leta 270 pr. norte. S t. poimenoval Arat kot Vode - področje raztresenih zvezd, od katerih izstopata le dve svetlejši zvezdi. Profesor astronomije Bradley Schaefer je domneval, da sta te dve zvezdi najverjetneje Alfa en Delta Kiparja. [1]

El astrónomo francoski Nicolas-Louis de Lacaille je prvi opisal ozvezdje v francoščini kot l'Atelier du Sculpteur (kiparjev atelje) leta 1751–52, [2] [3] kjer je upodobil mizo s tremi nogami z izklesano glavo na vrhu ter kladivo in dve dleti na kosu marmorja ob njej. [4] De Lacaille je med svojim dvoletnim postankom na Rtu dobrega upanja opazoval en katalogiral skoraj 10.000 južnih zvezd, poimenoval pa je tudi novih štirinajst ozvezdij v neraziskanih področjih neba južne nebesne polo iznable. Poimenoval je vse, razen enega v čast instrumentom, ki so simbolizirali Razsvetljenstvo. [a] [5]

Kipar je majhno ozvezdje, ki meji na severu na Vodnarja en Kita, na vzhod na Peč, na jug na Feniksa, na jugozahod na Žerjava en na zahodu na Južno ribo. Blizu je tudi svetla zvezda Fomalhaut. [6] Tričrkovna oznaka ozvezdja, ki jo je sprejela Mednarodna astronomska zveza leta 1922, je "Scl". [7] Uradne meje ozvezdja, ki jih je definiral Eugène Delporte leta 1930, [b] so definirane kot poligon 6 segmentov. V ekvatorialnem koordinatnem sistemu ležijo koordinate rektascenzije teh mej med 23 h 06,4 m en 01 h 45,5 m, medtem ko koordinate deklinacije ležijo med −24,80 ° en −39,37 °. [9] Celotno ozvezdje je vidno le opazovalcem, ki so južneje od širine 50 ° S. [C]

Zvezde Uredi

V Kiparju se nahaja nobena zvezda, ki bi bila svetlejša od 3. magnitud. To se da razložiti z dejstvom, da se v Kiparju nahaja južni galaktični pol, [12] kjer je gostota zvezd zelo nizka. A v ozvezdju se kljub temu nahaja 56 zvezd, ki so svetlejše ali enake navidezni magnitudi 6,5. [D]

Najsvetlejša zvezda je Alfa Kiparja, spremenljivka tipa SX Ovna s spektralnim tipom B7IIIp in navidezno magnitudo 4,3. [14] Od Zemlje je oddaljena 780 ± 30 svetlobnih let. [15]

Eta Kiparja je rdeča orjakinja s spektralnim tipom M4III, ki spreminja svojo magnitudo na intervalu 4,8 do 4,9. To dela z več različnimi periodami, ki so 22,7, 23,5, 24,6, 47,3, 128,7 en 158,7 dni. [16] Predvideva se, da je okoli 1.082-krat svetlejša od Sonca. [17] Od Zemlje je oddaljena 460 ± 20 svetlobnih let. [18]

R Kiparja je rdeča orjakinja, ki je obdana s spiralami materiala, ki je bil izbruhan pred 1800 leti. Od Zemlje je oddaljena 1.440 ± 90 svetlobnih let. [19]

Astronomska skupnost Južne Afrike je leta 2003 poročala, da so opazovanja spremenljivk tipa Mire T, U, V in X Kiparja zelo nujne, saj so njihove svetlobne krivulje zelo nepopolne. [20]

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Ozvezdje vsebuje tudi Kiparjevo pritlikavo galaksijo, pritlikavo galaksijo, ki je članica Krajevne skupine, pa tudi Kiparjeve skupine, skupine galaksij, ki je najbližja Krajevni skupini. Kiparjeva galaksija (NGC 253) je spiralna galaksija s prečko in največja članica te skupine. Leži blizu meje med Kiparjem in Kitom. Opazna članica skupine je tudi nepravilna galaksija NGC 55.

Posebna galaksija v Kiparju je Cartwheelova galaksija. Od nas je oddaljena 500 milijonov svetlobnih let. Cartwheelova galaksija ima skorjo iz starejših, rumenih zvezd in zunanji obroč iz mlajših, modrih zvezd, kar je rezultat trčenja pred okoli 300 milijoni let. Zunanji obroč je velik 100.000 svetlobnih let. Manjša galaksija v trčenju je sedaj vključena v skorjo, odkar se je pomikala na razdalji 250.000 svetlobnih let. Valovi, ki so nastali pri trčenju, so v zunanjem obroču zagnali močno rojevanje zvezd. [21]

Sculptor (AK-103) je bila ladja Vojne mornarice ZDA razreda Crater, ki je bila poimenovana po latinski (in tudi angleški) različici imena.


7 Things You May Not Know About the Sistine Chapel

1. Michelangelo wanted nothing to do with the Sistine Chapel’s ceiling.
In 1508, 33-year-old Michelangelo was hard at work on Pope Julius II’s marble tomb, a relatively obscure piece now located in Rome’s San Pietro in Vincoli church. When Julius asked the esteemed artist to switch gears and decorate the Sistine Chapel’s ceiling, Michelangelo balked. For one thing, he considered himself a sculptor rather than a painter, and he had no experience whatsoever with frescoes. He also had his heart set on finishing the tomb, even as funding for the project dwindled. Nevertheless, Michelangelo reluctantly accepted the commission, spending four years of his life perched on scaffolding with his brush in hand. He would return intermittently to Julius’ monumental tomb over the next few decades.

The Sistine Chapel ceiling’s most famous panel, entitled “The Creation of Adam.”

2. Contrary to popular belief, Michelangelo painted the Sistine Chapel in a standing position.
When they picture Michelangelo creating his legendary frescoes, most people assume he was lying down. But in fact, the artist and his assistants used wooden scaffolds that allowed them to stand upright and reach above their heads. Michelangelo himself designed the unique system of platforms, which were attached to the walls with brackets. The impression that Michelangelo painted on his back might come from the 1965 film “The Agony and the Ecstasy,” in which Charlton Heston portrayed the genius behind the Sistine Chapel’s ceiling.

Sections of the Sistine Chapel’s ceiling.

3. Working on the Sistine Chapel was so unpleasant that Michelangelo wrote a poem about his misery.
In 1509, an increasingly uncomfortable Michelangelo described the physical strain of the Sistine Chapel project to his friend Giovanni da Pistoia. “I’ve already grown a goiter from this torture,” he wrote in a poem that was surely somewhat tongue-in-cheek. He went on to complain that his “stomach’s squashed under my chin,” that his � makes a fine floor for droppings,” that his “skin hangs loose below me” and that his “spine’s all knotted from folding myself over.” He ended with an affirmation that he shouldn’t have changed his day job: “I am not in the right place—I am not a painter.”

4. Michelangelo’s masterpiece has proven highly resilient.
The Sistine Chapel’s frescoed ceiling has held up remarkably well in the five centuries since its completion. Only one small component is missing: part of the sky in the panel depicting Noah’s escape from the great biblical flood. The section of painted plaster fell to the floor and shattered following an explosion at a nearby gunpowder depot in 1797. Despite the ceiling’s apparent hardiness, experts worry that foot traffic from the millions of people who visit the Sistine Chapel each year continues to pose a serious threat.

5. Michelangelo’s Sistine Chapel art was touched up𠅊nd stripped down—in the 1980s and 1990s.
Between 1980 and 1999, experts restored selected artwork in the Sistine Chapel, including Michelangelo’s ceiling and his famed fresco known as “The Last Judgment,” which he created in his later years. Specialists meticulously dissolved layers of grime, soot and deposits, substantially brightening the colors of the centuries-old paintings. The restoration also undid the work of Pope Pius IV, who ordered the placement of fig leaves and loincloths on Michelangelo’s nudes during the 1560s.

6. The Sistine Chapel ceiling’s most famous panel might depict a human brain.
In the section entitled “The Creation of Adam,” figures representing God and Adam reach for each other with their arms outstretched. Their almost-touching fingers are one of the world’s most recognizable and widely replicated images. Some theorists think the scene also contains the unmistakable outline of a human brain, formed by the angels and robes surrounding God. According to Frank Lynn Meshberger, a doctor who pioneered this hypothesis, Michelangelo meant to evoke God’s bestowal of intelligence on the first human.

7. New popes are elected in the Sistine Chapel.
Built in the 1470s under Pope Sixtus IV, from whom it takes its name, the Sistine Chapel is more than just Vatican City’s most popular tourist destination. In fact, it serves a crucial religious function. Beginning in 1492, the simple brick building has hosted numerous papal conclaves, during which cardinals gather to vote on a new pope. A special chimney in the roof of the chapel broadcasts the conclave’s results, with white smoke indicating the election of a pope and black smoke signaling that no candidate has yet received a two-thirds majority.


Bertel Thorvaldsen

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Bertel Thorvaldsen, Thorvaldsen also spelled Thorwaldsen, (born Nov. 19, 1770, or Nov. 13, 1768, Copenhagen, Den.—died March 24, 1844, Copenhagen), sculptor, prominent in the Neoclassical period, who was the first internationally acclaimed Danish artist. Prominent in Roman intellectual and artistic circles, he influenced many emerging artists from Europe and the United States.

Thorvaldsen was the son of an Icelandic wood-carver who had settled in Denmark. He studied at the Copenhagen Academy and won a traveling scholarship to Rome, where he was to live most of his life. In Italy the prevailing enthusiasm for classical sculpture fired his imagination so much that he later celebrated the date of his arrival in 1797 as his “Roman birthday.” The success of Thorvaldsen’s model for a statue of Jason (1803) attracted the attention of the Italian sculptor Antonio Canova and launched Thorvaldsen on one of the most successful careers of the 19th century. When he returned to visit Copenhagen in 1819, his progress through Europe, in Berlin, Warsaw, and Vienna, was like a triumphal procession. His return from Rome in 1838, when he eventually decided to settle in Copenhagen, was regarded as a national event in Danish history. A large portion of his fortune went to the endowment of a Neoclassical museum in Copenhagen (begun in 1839), designed to house his collection of works of art, the models for all his sculptures by his own wish, Thorvaldsen was to be buried there.

Most of Thorvaldsen’s most characteristic sculptures are reinterpretations of the figures or themes of classical antiquity. The Alexander frieze of 1812 in the Palazzo del Quirinale, Rome, modeled in only three months in anticipation of a visit by Napoleon, is an example of the feverish energy with which he could at times work. Religious sculptures include the colossal series of statues of Christ and the Twelve Apostles (1821–27) in the Vor Frue Kirke in Copenhagen. He also made numerous portrait busts of distinguished contemporaries.


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